穆庇福音

　　罗梅罗大爷一直是我所喜欢的电影导演，虽然不说他的电影可以和别的那些一线大师比，但毕竟作为僵尸电影之父，罗梅罗在我心中的地位是不言而喻的。我对他一直以来坚持游走在独立和主流之间的制作模式感到钦佩，以它的能力和地位他完全可以潜心于在西海岸的好莱坞发展，可是他却坚持留守自己的家乡匹兹堡，在这片土地上他拍摄了大量经典的僵尸电影。 
　　但是不得不说，最近这几年他真的是老了，如果说05年的《活死人之地》（Land of the Dead）是从影生涯又一个高峰的话，那么近几年来的作品质量呈直线下降，《死亡日记》（Diary of the Dead）还算可以入眼，但本片就完全不在一个水平线上了。 
　　罗大爷的野心我们可以看得出，这么多年来他一直想在僵尸这一看似商业的题材中加入创新性的元素，譬如《活死人之日》中对僵尸智能的探讨，这一探索一直延续到《活死人之地》，而《死亡日记》时罗大爷又开始回归之前探讨特殊环境下人类社会的变化和人性的反应。 
　　这部曾角逐过去年金狮的作品延续了对人类的探讨，导演特意在开篇时讲述了一个岛屿两个家族的纷争，而主要目光也放到了家族纷争之上，其中查克这一角色的设置让人想起了莎翁舞台剧里家族情仇之下的罗密欧与朱丽叶，但这点仅仅只是点到为止，没有继续在这个故事线上做文章。一直延续到影片的悲剧结尾，我更愈发觉得老罗这次却是是在尝试将莎翁式故事与僵尸片融合的用意，但是等等！ 
　　等等！那那些外来人到底有什么用？那些个士兵和geek扮演的除了旁观者的角色之外，还有何用途？他们的出现使得两个家族的老头子在想法和立场上发生变化了吗？没有。他们的出现让罗密欧和朱丽叶私奔吗？也没有。甚至连墨西哥人和tom boy之间的复线处理得都是模模糊糊的。好吧，就算故事不精彩，那么动作场面和气氛营造得精彩恐怖也OK吧？但这部片中，我们看不到什么惊心动魄的场面（除了拔头皮和插JJ的），也完全不可怕，僵尸甚至不具备主动攻击性。 
　　罗大爷在形式上做出了一种全新的尝试，但是在故事和影片质量上却出现了失误，真是令人失望。

整理的片单

其实看恐怖片看了那么多年，早已没有小时看完恐怖片后好几天都疑神疑鬼的神奇经验。 现在看任何恐怖片前我都不期望会被吓到，更多的是为了体验电影的气氛和故事的悬疑，那种假尿急的感觉多少还是可以接受的观影快感了。 
我的选单其实扩展了恐怖片（Horror）的定义，我将惊悚片（Thriller）也列入选择范围，简单来说这份选单的影片不仅只有鬼神，但凡是能造成内心恐惧体验的影片都会入选。 
简单阐述一下我的选择标准。相较于近期的恐怖片，我更偏好老片，虽然这些片可能在视听效果、摄影手法等技术层面上已不符合当下观众的审美兴趣。但其实我们当下看到的许多恐怖片都是基于老片在当时的创新性和实验的产物。当然，作为恐怖片大家先入为主的概念是——一定要吓人。这样说固然没错，但看的越多，你对电影的评判标准就会更深入，也越严格。你会发现你所流连的不在是表面意义上的声光电，而是其深层的意义。 
既然这份选单的主题是经典恐怖片，那么还是不乏那些老生常谈的经典，同时我也剔除了我个人的一些冷门喜好，尽量贴合主题。废话少说，切入正题吧。 

1. 《魔鬼圣婴》（Rosemary's Baby） http://movie.douban.com/subject/1293852/ 
05年在广播学院游学时住在梆子井，宿舍断电后我琢磨要看部恐怖片，于是便选了这部波兰斯基的成名作。谁知道看到一半时，电量不足笔记本自动关机了，按照往常，我也许会直接睡觉，待次日再补完。但我已经被剧情完全吸引住了，于是我拿着电脑跑到有电源的厕所蹲着看完了这部影片。我确信到我老死前，我都会记得这次观影经历。不论是什么层面，这部影片都是经典中的经典，它不是一部靠视觉吓唬你的电影，而完全靠的是气氛和悬念，虽然电影剧情建立在宗教之上，但本质上作为东方人你也会感到那种恐惧，尤其是它恐惧的点在于人类共有的生育本能，看完之后你会开始担心自己以后也会生出一个魔鬼。 

2. 《闪灵》（The Shining） http://movie.douban.com/subject/1292225/ 
这部影片入榜并不奇怪吧，不入才奇怪咧。我第一次看这部影片的时候是高二休学的时候，我还记得是白天看的，看完之后仍然觉得冷。此后基本每一年的春节假期，我都会在家里重温这部电影，而且每次都会有新的发现。 
虽然原著作者史蒂芬·金说过库布里克的改编让他很不满意，但毕竟金叔不是干电影的。这部片不论是故事、氛围还是技术都无可挑剔，库布里克娴熟的使用斯坦尼康（Steadicam，一种摄影设备，简单来说其功用是手持时不会产生晃动）在这个偌大的密闭空间内游走，极大的利用了空无一人的酒店这一空间制造一种令人恐惧的未知感。 
同时本片也是我上大学时的教学电影，在大陆的电影教育体系中，极少会用一部恐怖电影作为教学范例的。 

3. 《怪形》（The Thing） http://movie.douban.com/subject/1296794/ 
要不是在无人问津的DVD处理区发现本片，我也许压根不会这么早接触这部经典。
这部电影最牛逼的地方就在于它的节奏走得几乎完美，前半段的悬念丛生到后半段的惊悚，处理得实在是太棒了，我不得不怀疑John Carpenter在拍本片时是不是人品大爆发了，这些东西是我们在他之前或之后的电影中都很难看到的。除了让人紧张愉悦的观影体验，在故事之外，其实更多的是对人性的探索。在那个极端环境下，你会开始猜疑，究竟谁被感染谁是正常人，而且每个人都有不同的反应，有大无畏，也有力求自保。 
正因为这片，我才对前几年的《黑暗侵袭》（The Descent）那么不屑，无情点说，根本不是一个档次上的东西。 

4. 《夜深血红》（Profondo Rosso） http://movie.douban.com/subject/1299898/ 
意大利大师Dario Argento的作品，在所有资深恐怖片影迷的心中，他无疑就是神。 
这部电影和他以往的作品不同，较之《阴风阵阵》那强烈的表现主义形式，这部片只有前10分钟让我们看到了Argento对红色的热衷，后面除了舞台化的布灯以及细心的场景布置，这些形式的东西被相对弱化了，他将更多的注意力集中在了对故事气氛和节奏的把握上。 
也许一般影迷很少在恐怖片中听到过用midi做的配乐，但是Argento的御用配乐团队Goblin的midi诡异配乐绝对会让你对电影配乐有一个全新的认识。 
之后于仁泰和董骠合作的《猛鬼佛跳墙》基本上就是抄袭了本片最重要的创意，在没看过《夜深血红》之前，我还一直对别人说《猛鬼佛跳墙》的那个创意有多牛逼呢，至于是什么我还是卖个关子好了。 
最后稍微提醒一下影迷，你必须放下成见，这是一部75年的电影，它的血浆和特效做的很假。还有意大利电影在2000年之前一直习惯不走同期声，基本都是用ADR（Automatic" Dialog Replacement，既自动对白替换系统）来做声音，所以听上去声场有点假。 

5. 《鬼婆》 http://movie.douban.com/subject/1308657/ 
这部片该怎么说呢，其实必须定位，首先它是一部文艺片，其次才是恐怖片。新藤兼人继承了成名作《裸岛》的一贯风格，用画面来叙事。较之《裸岛》极端的无对白，本片还是有几句对白的，但是在这样一部影调配乐极其诡异的影片中，长期不说话的两个主角忽然爆出沙哑并略带咆哮的话，还是能让人不寒而栗。 
我所欣赏的是本片借着有些《怪谈》文风的诡异故事为蓝本，其实在讲述人性之险恶的本质，比起黑泽明的《七武士》的讽刺，《鬼婆》来得更直白也更为极端，观赏娱乐性也未被其文艺片性质所冲淡。 
值得一提的是，本片是姜文爱作之一，拿到第5名的位置，实至名归。 

6. 《夺魄冤魂》（The Changeling） http://movie.douban.com/subject/1422279/
这是部比较偏门的影片，本片的匈牙利裔美籍导演Peter Medak也更冷门，他的作品多以低成本电影和美剧为主，他的美剧作品大家最不陌生的应该是《致命毒师》（Breaking Bad）。 
有人说这部电影是马丁最欣赏的恐怖片之一，足以证明它有多优秀。首先这部影片十分流畅，悬疑的出现和线索的展开也极其老练，导演选择了加拿大和纽约的冬天进行拍摄，那种阴冷的影调给影片气氛加分不少。 
故事虽然放在今天看来有些老套，但是这是一部80年的电影，甚至影响了接下来的另一部恐怖片经典《午夜凶铃》！是的，我没乱说，你可以从本片中看到《午夜凶铃》的许多影子，尤其是影片最后的桥段，我当时差点从床上蹦起来然后大呼：“这不就是《午夜凶铃》吗？” 
也不多说了好吧，去看吧，信我，这个位置真不为过。 

7. 《午夜凶铃》 http://movie.douban.com/subject/1307696/ 
本片上榜并不令人惊讶。《午夜凶铃》绝对是恐怖片历史上的杰作，在某种程度上说它算是90年代末期到21世纪初头几年亚洲商业恐怖片的开启者，也正是因为《午夜凶铃》的出现，才致使前几年包括日本、韩国和泰国大肆拍摄恐怖片，但这么多的后来者都无一超越本作。 
《午夜凶铃》的原著小说和改编漫画我都看过，我个人认为较之小说，它的改编是十分成功的，在有限的篇幅里面讲述了一个精彩的故事，虽然和小说内容有部分出入，但这是文学改编电影过程中必要的。 
这部片看过的人实在太多了，但我有必要说明一下这部影片中“水”元素的符号运用。我们可以在小说原作者铃木光司的作品《午夜凶铃》、《暗水幽灵》和《光射之海》中对于水有一种强烈的偏好，他也在《暗水幽灵》的前言中对此有所提到。水这个符号有这样几种寓意：生命、母性、未知。电影中，出现了大量的水元素，大海、台风夜、古井、海岛等等，这些其实都是对水这一符号的展现，贞子被推下的古井对应生命；而台风则是母性（女性）的力量，阻止离开；大海则是无数水的汇聚，代表未知。这很有意思，它不单只是一部商业片，其实还有许多饱含了符号学的细节在里面。 
哦，忘记说了，小说中的贞子其实是一个双性人……-_- 

8. 《死亡论文》（Tesis） http://movie.douban.com/subject/1421807/ 
snuff film（虐杀电影）是一种极其残忍的电影，分为非法和合法的两种，简单来说：非法是真实的虐杀，有一些组织或个人会抓来活人，然后将其折磨致死，拍摄下来的视频通过特殊渠道销售；合法的就是通过道具和特效制造一些类似的虐杀效果，但其合法与否还得看地方电影审查机构是否允许其发售。 
本片正是以snuff为题材的电影，这是智利导演Alejandro Amenabar在《小岛惊魂》和《睁开双眼》之前的成名作，但技法成熟老练，虽然本片并无鬼神，但其营造的恐怖感不亚于前面提到的几部电影，我急促的呼吸从第一秒一直到最后一秒都未曾间断过，去抓豌豆脆和干脆面的手也没听过。 
本片也影响了一系列关于虐杀电影题材的影片，譬如说尼古拉斯·凯奇的《八毫米》。 
最后题外话：学电影的男生都要不得！ 

9. 《异教徒》（The Wicker Man） http://movie.douban.com/subject/1305611/ 
不是尼古拉斯·凯奇演的那部恶评如潮的翻拍版啦，是73年英国原版，由Robin Hardy导演。 
这部影片我只能用诡异来形容。首先是配乐，其实你会觉得很讶异，一部悬疑恐怖为什么会用类似indi的轻松旋律作为配乐呢？用节奏较快以低音为主的古典配乐不是更好吗？想一下《野战陆军医院》里开头运送伤员的那段，配乐是那首悠扬的Suicide Is Painless，导演的意图是讽刺和制造反差感。而与《野战陆军医院》类似的，本片也是一部具有讽刺意味的反宗教影片，宗教的荒谬性渗透着整部影片。警察的盛气凌人和自傲代表着基督教，而岛民的愚昧代表着自然宗教。谁也不对，谁也自认为看起来没错，但是，这两种宗教能否拯救各自的命运？导演的答案其实已经给出来了。 
白德伟，已经数十年没有导戏的Robin Hardy正在着手拍摄本片的正式续集，值得期待。但是我很好奇的是，为什么Robin Hardy在拍完本片后就几乎没有再拍片了？ 

10. 《七月十四不见不散》 http://movie.douban.com/subject/1302447/ 
唯一上榜的华语片，其实我本是想给陈国富的《双瞳》，但是想来《双瞳》虽在技术上强于《七月十四》，但在好莱坞有太多相似的作品了。 
《七月十四》绝对是我童年时期的噩梦，也是我至今认为华语恐怖片上的丰碑。帽子虽然戴得高，但是我丝毫没有觉得过誉了，这部片结合了鬼怪和办案两种元素，在一个线性的故事里，疑点和解答给的节奏很对路，和往常香港恐怖片喜剧抢戏不同，本片的喜剧桥段起到的是画龙点睛的作用，不但没有打断节奏，反而是一个很好的调剂。而在剧作上没有犯什么的香港早期电影习惯性的错误，是难得的佳作。
前几年我又重温了一次本片，却产生了想重拍的念头，因为故事创意非常好，放到也不会过时。 
下面引用豆友的一句话影评：“一朝观此片，十年怕看碟。” 

其实我个人没有给电影排名的习惯，一般我是靠打分来给电影做区分，但是这次是一个评选活动，我比较艰难的给我的这10部片做了一个排序，当然你也可以无视这个排序，这些电影都是绝对经典并值得一看的。 
p.s. 对于《驱魔人》没有入榜的原因是，我虽然当年绝对被他吓到了，而且也不否认它经典的恐怖片地位，但是由于它太有名了，而且它恐怖基调是建立在西方宗教文化之上，我们的文化不同，有些难以理解。还有就是……那是我初中时候看的片子，我现在都把细节忘光了-_- 而且我觉得《驱魔人2》也挺好看的，不比《驱魔人1》差诶……
还有，豆瓣电影鑫像奖的经典单元正在进行第一期的专题“100部绝佳恐怖电影”，有兴趣的不妨去看看其他资深影迷的选择。 
点击阅读

我先看小说，再看的电影，关于能猜到结尾的情况，小说里并没有这样的问题，我认为这可能是老马在闪回部分做了太多艺术化处理所造成的，小说中泰迪的闪回很正常，并努力将其塑造成一个有过悲痛过去的男人。之所以老马采用这样的处理可能是他的主要着重点是故事和气氛，并不是最后的包袱。因为是小说改编，加上作者号召力，定有不少读者读过，老马如此处理还是有他的理由的。

希区柯克的《眩晕》也是一样，结尾不难猜到，但我们被吸引的是人物和故事，而非结局的包袱。关于猜到结局的影响，我个人认为这并不重要，我个人认为这并不重要，我们看电影是享受其故事和过程，结局是为故事而服务的，如果一部电影从头到尾只为了最后的包袱而让前面的故事变得平淡无奇，主角庸庸碌碌，那么这部电影注定很平庸。

但说老马没有犯错，其实也很难说，也许他可能是为了泰迪这个人物的怪异而忽略了包袱的悬念性，这也是可能的。

小说改编电影一直是一件令所有编剧头疼的事情，先说明一点：
文学（诗歌）和电影是两种截然不同的艺术形式，文学的叙事和艺术化处理可以丰富多变：从里描述到外，从外写到里；而且在篇幅上也没有太多的限制。但电影就不同：电影不可能出现过多个人化的东西，比如心理描写，这些只有通过画面和动作来进行表现，表叔方式电影是要比文学少；同时电影必须将故事集中在最多2个半-3个小时以内，而且还要考虑节奏的问题。

就我个人的知识和经验来看，小说改编电影是很容易出现各种问题的，首当其冲的是小说读者对于电影有一种先入为主的概念，所以他们关注的是电影中所呈现的细节和原著有多少差别，因为客观条件出现的缺失和改编必然会让人觉得别扭，但问题是作为主创群体，你会接受一个让你按本宣读的改编方式么？

改编电影更像是一种平台的移植，从文学移植到荧幕的过程必然会有许多缺失和需要改动的地方。就如我看小说的时候，总是以一个要改编它的角度去阅读，对于大段不必要的对话和细节描写，我总是在心里对自己说：这段完全可以砍掉，但对于文学角度就不一定了，譬如史蒂芬金在小说里出现的大量细节描写是为了营造一个他所想要的故事气氛。

总而言之，在看完老马的这部电影后，我认为电影改编小说应该贯彻着这样的思路：既是小说只是故事的大纲而已，改编者所要做的就是在这个大纲上提炼对电影有用的剧情和细节，并将其按照一定的电影规律进行重新创作，这其中可以包括人物背景、性格、对话乃至整个事件。

观众不应改编电影因为舍去太多原著中的情节而给予恶评或者不满，这对创作者并不公平。

如果顺序倒过来呢？《午夜凶铃1》我是先看的电影，后看的小说，虽然小说中对两个主人公和贞子的背景（小说中贞子是一个双性人）进行了大量的描写，但我却觉得小说不如电影。相信这也是大部分人的看法，先入为主的概念在这个过程中扮演着煽动者的角色。告诫自己尽量客观是我们唯一所能做的事情，除此之外别无他法。

@田原TT：各位，希望你们能帮我们完成一份关于一本电影书籍的调查问卷，如果您认真并留下了宝贵意见，我会送出张我的EP（内有5首歌，市面上买不到）。希望您能够抽出一点儿时间，请进入以下链接：http://www.askform.cn/81608-96035.aspx 答完后请留下联系方式，欢迎转发！

整理翻译 by gildor via www.mtslash.com

所谓同声传译，那姑娘其实不是翻译只是使馆工作人员，拉来干这个也挺惨的。我记了点儿笔记，肯定有错有漏，大家姑且一看！

主持人问题：

1.为什么现在会在中国？

因为做校长（Patrick爷现在是哈德斯菲尔德大学校长）的缘故，和很多国内大学有交流活动，每年会有一百个左右学生做交换生，有很多事情来商讨。

2.关于15岁辍学的经历

考试那天Patrick爷爷没去，跑山里玩儿去鸟。从青翠的小山坡上看着学校的房顶，想着自己本来要在那里挥汗如雨，心里一个字儿，爽啊！不过对于年轻人，还是要忠告：好好念书，毕了业再说。

之后本地的报社做了一个小小小小记者。所幸在爷爷家那嘎嗒儿，大家对表演这个事比较宽容，不会觉得唱歌跳舞演戏很古怪，于是也在剧团里演出，16岁的时候就算小有名气了。

一边工作一边演戏，最多的时候同时有6摊演戏的事。可想而知工作净摸鱼，缺勤不是找人顶替，就是瞎编烂造找理由。终于有一次，有一场火灾的报道没去，当天下午就被老板给开了。于是勇敢地回家找爹娘，说我要演戏了！其实那个时候也不知什么叫演戏，找的下一份工作时家具推销员。总之比记者干得好一点儿。一年之后，进了演艺学校，走上职业生涯。

3.做演员最难的是什么？

最难的找到工作！（爷您真实在啊....）演员这件事不像画画写作，必须和别人合作，一人闷头在屋里演那叫缺心眼儿。所以要想找到工作，必须接受训练，勤加练习。不要拒绝工作，无论是什么。什么角色也比失业呆着强。此处爷爷有一句名言，大约是Only by doing, can you learn.在温饱之后，要去发现who you really are。让你心中的这个人透过角色说话。不要压抑自己的本性，不要害怕表露自我。

（下面Patrick爷要求着重讲讲fear）

恐惧是最大的障碍。在年轻的时候，我也害怕自己不够有能力，不够聪明，不够帅，怕表露自己无法被别人认同。但是在20年非常成功（”啊，其实是一般般的成功“）的职业生涯之后，才能克服这一点。曾经有一位老师告诉过我，”通过给失败买保险的方法，是觉得没法成功的。“（这段简直像在讲皮舰长一样啊，真觉得爷爷演舰长是本色了。）

4. 关于秃。

对，没错，这是祖传的。爷爷，爸爸，我自己，统统秃。（真不知Stewart家吃团圆饭什么景致.....）小时候笑话我哥秃头，后来18岁开始掉头发，19彻底光光。当时觉得，这辈子的romance是没戏了。年轻的时候，去试镜过一个很抠门的剧团。弄了个假发，戴着摘了各演一遍，然后和导演说：你瞧，一份钱，给你俩演员！这里要和所有脱发的年轻人讲一句话：秃不是缺陷，even to romance！

观众提问：

5. 第一个ST粉男生，首先表达了对ST系列的崇敬之情，引来一片掌声欢呼。然后问：有没有想过ST系列对科技的影响？

（这个问题P爷答得有点儿跑题，估计是之前想好的答案）ST对于我来说是个意外。不过我觉得它是个挑战，不能拒绝，要好好把握。它带来了知名度。在那之前，除了看英国舞台剧的人，没人知道Patrick Stewart是谁。这部剧拍了7年，拍得简直比徒手砌墙还累。可以在这7年里我的欢笑最多。在之前我只是努力工作，可是我的同事让我学会了怎么去享受工作。不过这也是很严肃的剧集，我们追求每一集都要有意义。另外Jonathan Frakes他爹是英语老师，所以要是拍得有语法句法错误，岳父大人不爸爸大人马上会打电话骂。我也听说了很多ST对科技的启发。我曾经和第二位登上月球的宇航员一起坐在片场的剑桥上。宇航员做在舰长的座位上，P爷做旁边。结果宇航员同志很亢奋地说（模仿人家语调）warp speed will never...(这句我没听清)有的时候也会想，我们拍的东西，真的有人在看吗？有人吗？但是终于还是受到了粉丝们的各种信息，fan vid，包括很著名的人物会说他们看过每一集ST。

最感动的是一个Las Vegas的警察的来信：这个警察每天在特别恶劣糟糕的环境里工作，回到家觉得人性糟糕透了，人类没希望了，但是拿出一集ST看看，就会觉得希望还有。

6.第二个ST粉：和你自己最接近的角色是什么？

（这个问题，要么是我记错了问题，要么记错了答案，要么P爷没听明白，总之答案和问题没啥关联）演员地第一任务是娱乐，entertaiment。没有这一点，不算一个entertainer。

第二点是交流。6年前我离开好莱坞回到英国演舞台剧，我们家人都觉得特别惊悚，但其实为的就是能够和观众面对面的交流。在舞台上，演员能控制一切。每一天的观众都是不同的，演员和他们一起创造了一个不可重现的独特经历。

7. 戏剧专业学生提问：怎样表演和自己完全不同的角色。

这是所有演员的问题。很多人觉得”表演是伪装，是成为别人，是技术性的欺骗。“但其实不是。观众要看的是真心。要透过不同的角色，表达自己的个性。比如尼克尔森的电影，一部一部看过来，你会发现他的个性在逐步积累。比如我小的时候见过许多暴力（也许指二战？），于是在演戏的时候会害怕演暴力的情节，害怕自己会失控。但如果把你内心的东西释放出来，会有很好的效果。有的时候，我们需要很安静，才能听见自己内心的声音。（拇指！）

8. 舞台剧和电影的最大分别是什么？

其实是一样的，表演的本质是真实。要说分别，舞台依靠的是动作(action)，才能让最后一排的观众理解你的意图。电影的镜头、麦克风离你很近，往往是演员在思索（think），摄像机在拍摄。（这个think答得极好）

9.洋腐男提问：您提到了和观众的互动，那么和其他演员的互动怎么样？

那是最有意思的部分。有的时候我会和同台的同事达到观众都不能观察到的默契。最近我在演一出两人的剧，只有我和他（我心里那个喜啊....这说的就是您和Ian爷的等待戈多吧！！.....）我们互相凝视的时候，会传达真诚、信赖、blablabla....简而言之，he sees from me!（嗷！）虽然他比我年轻好几代（唉.....嗷错了....），可是只有通过对手，你的交流才能传达给观众。导演对于演员在前期应该严格要求，但在后期要放手让他们去激情不互动。有的时候，舞台上的感觉太美好，让人不愿意回到生活中。

在母校的实验剧场见到了传说中的Sir Patrick Stewart，他是X-Man里的Professor X，Star Trek里的Captain Jean Luc Picard，同时也是授勋的爵士，教授和大学校长。

由于博客大巴上传空间有限，还请各位劳驾移步http://www.douban.com/photos/album/30776436/查阅座谈会照片。座谈会内容文稿待英国大使馆文化教育处整理出来后贴出。

导演: 黄锟
编剧: 黄锟
主演: 品客档案 / 冢本友希 / 泽井芽衣 / 吴佩慈 / 郭德纲
地区: 香港
分级: III级
语言: 粤语
上映日期: 1987年6月
出品公司: 万能电影公司
豆瓣条目: http://movie.douban.com/subject/4854198/

剧情简介
1987年夏天，美国中央情报局CIA特工古庄逊（吴佩慈）携带秘密化学原料途径香港，不慎将其丢失。化学原料几经转手，落入邪恶科学家占士（郭德纲）手中。占士用化学原料实验在一名无意识的北姑（冢本友希）人肉实验品上，意想不到的是北姑体型居然无限膨胀，最后竟达50尺之高！愤怒的北姑来港后屡遭恶人虐待，怒火焚身，竟想摧毁港岛！
长期为港岛和平而研究科技的博士罗拔（泽井芽衣）将最新研究成果万能装甲赠与敢于与巨型北姑搏斗的咏春学员品客黄（品客档案），一场港岛之战即将爆发……

 

这是一个关于入门者或者电影爱好者对于电影欣赏的调查： 
请问你最想知道的关于电影的知识是什么？或者说你对电影的什么部分最有困惑也最有兴趣？ 
例如： 
1、3D电影是怎么拍摄的？ 
2、好莱坞电影制作采用的是什么设备？ 
3、为什么一些所谓的好片我总觉得很烂？ 
4、电影的剧情基本创作理论。 
5、电影的打斗场景是如何拍摄的？ 
希望大家不要提及政策相关问题。感谢各位的集思广益，我会在力所能及的情况下向大家提供相对靠谱的答案。 
对于各位参与调查的朋友，鄙人表示十分感谢！

[今次放上超猛扯淡文，原文刊登于2010年3月下的《大众软件》，刊载版本有些许删节，以下为全本。请勿转载，谢谢合作！]

文/品客档案

前言

 

早在上大学的时候，一个有妻有女，正为房贷而奋斗着的中年男子在课堂上用很认真的口吻告诉我们，游戏将继电影之后，成为第九大艺术。说这句话的人是我们的导演课老师，我很难以想象眼前的这个张口闭口跟我们谈论爱森斯坦、格式塔心理学、波兰道德焦虑的大叔会对游戏有如此之高的评价。

 

其实，虽然现在越来越多了解电子游戏的人开始在广艺上将游戏视作是一门艺术，但是社会上还是有许多人把视游戏为洪水猛兽，更别提将其列入艺术的范畴了。电影在刚列入第八大艺术时，也有过类似这样有些尴尬的经历，更多的人认为电影只是一个讨喜和杂耍，从单纯的一项新技术到变成一门艺术，电影花了很长的时间。

 

 

在一定程度上，人类早期的电影，如鲁米埃尔兄弟所拍摄的《火车进站》、《水浇园丁》这样的作品并不具备深刻的艺术性；同样的，雅达利（Atari）的第一款游戏《乒乓球》也是这样，都是借助新技术向大众提供一种全新的娱乐形式，让他们体验之前没有体验过的娱乐。

 

电影本身在发展时，借鉴吸纳了其他的艺术门类的特点，如：诗歌（文学）、戏剧、绘画、舞蹈和音乐等，使其具备了时间艺术和空间艺术两种属性。我一直觉得游戏和电影很像，它也具备了时间、空间艺术两种艺术属性，通过设计，营造出一个特有的环境，并使受众在心理上感受到节奏感。

 

随着科技的发展，电子游戏自身也经历了几次技术革命，从雅达利到8位机、32位机、64位机、PC……这和电影也惊人的相似，什么有声电影、彩色电影、电脑特技一直到今天《阿凡达》所呈现的3D电影。

 

游戏和电影的关系就有同电影和戏剧一般亲近，可以说是一个娘生的，只是先后问题。扯了这么多有的没的，读者在此肯定会问，你丫到底想说什么？我们可不是在这里看你装砖家骗稿费的，究竟游戏可以从电影（除形式之外）中借鉴些什么？稍安勿躁，我不会浪费各位的时间。

 

我一直认为，戏剧虽然和电影是不同的艺术门类，但是其理论其实是可以通用的。大卫·马梅（David Mamet，《铁面无私》（The Untouchables）、《汉尼拔》（Hannibal）编剧），他原本是一名话剧导演，他因为在话剧界的才华得到了肯定，得到好莱坞邀约，转而成为电影工作者。在他的《导演功课》一书中，他结合了自己的舞台戏剧经验用电影语言向大学生们解释如何将一场普通的电影场景变得好看和有作用。这篇文章也是这样，我希望能够用电影的理论结合游戏语言，给予游戏创作者和对游戏创作有兴趣的玩家们一些有用的帮助。我的专业是电影，并非游戏，所以仅是抛砖引玉，更多的东西还需要靠读者结合实际情况运用。

 

剧作基本理论

 

我们已经看过了许许多多创意绝佳，但剧情中后期烂尾的例子，所以首先我们有必要来学习一下电影剧作的基本原理和结构。以下都是按照好莱坞所总结出来的原理和结构来进行说明的，艺术化和实验性的东西并不在我们讨论的范围之内。我们说，真正的抽象画大师都是具备了良好的素描功底后才去创作抽象作品的，我们也是如此，完整的把故事讲明白，比你在创作游戏故事时想了一大堆表现形式和噱头重要得多。

 

一般来说，一部电影的标准长度是90- 120分钟，之所以以这个时间长度作为标准是因为根据长期的经验总结，观众的注意力维持时间往往不能超过两个小时，所以我们一般很难在电影院看到长度超过两个半小时的电影。

 

目前大部分的电影都是三幕剧式结构，之所以是三幕剧的原因是，从古至今，所有的戏剧和电影，任何一个完整的故事都必须拥有开头、发展和结尾（高潮），三幕剧结构符合故事完整性的最低要求。

 

我们幻想一下我们在写作一部由阿诺施瓦辛格主演的救世主式动作片，其中会涉及一些基本和简单的剧作原理，会对之后的游戏剧情创作有所帮助。

 

影片开始，我们知道州长是一名大有前途的警察，但在两年前的一次行动中，他误杀了拍档，自此无法面对过去，生活陷入低潮，酗酒、暴力执法是他唯一发泄的途径。忍受不了的妻子决定和州长离婚，于是我们便看到刚和妻子办理完离婚手续的州长走出市政厅大楼，座上了一部出租车。另一方面，一群全副武装的恐怖分子获悉了运钞车的行进路线，他们早已在运钞车必经路线旁埋伏好，而州长乘坐的那部出租车与这个阴谋计划在不经意之间交汇了！一声巨响，运钞车被一部卡车撞倒路旁，动弹不得。眼看恐怖分子要处死押运员，州长立刻用健壮的肱二头肌和乌兹冲锋枪解决了那群恐怖分子。等到大量的警察赶到现场时，却发现半裸的州长站在一片火海中大秀肌肉。

 

很好，这是一部很标准的好莱坞电影的开头，我们在头二十分钟内得知了州长这个角色的大量背景信息：社会地位、职业、家庭、近况，而同时动作场面让所有观众得到了视觉的冲击。接下来，州长因此获得LAPD的牛逼勋章然后生活全部回到正轨？或者忽然有一天州长厌恶了这样打打杀杀的生活而醒悟转行IT成为硅谷精英？对，基本上可以这样将故事发展下去，但是这样一个三十分钟内能说清楚的故事我们需要拍成一部九十分钟的电影吗？

 

 

好莱坞剧作学家罗伯特·麦基（Robert Mckee）在其著作《故事》（Story）中指出：“一个故事是一个由五部分组成的设计：激励事件、进展纠葛、危机、高潮、结尾。”

 

州长还没有摆几个pose，就从周围警车的无线电台里听到市中心的州立银行大厦被一群训练有素的恐怖分子抢劫一空，而此时整个洛杉矶的警力都集中在这里。恐怖分子声东击西，逃之夭夭。

 

于是这就构成了一个激励事件，这是整个故事的首要成因，有了这个成因，后面的四个元素才逐一建立起来。这个激励事件打破了之前州长相对平衡的生活状态。

 

警察局局长得知了州长在这次事件中的英勇表现，于是找到他，希望他出马调查。所有有常识的观众都知道州长会同意，但是作为创作者来说，就不能让这样的事情发生，如果故事就这样继续进行下去，我们就不会看到任何惊心动魄的场面，接下来一帆风顺，最后州长直捣黄龙，挫败了恐怖分子。想起之前在第一幕中我们设计的角色生活状态了吗？对，就是因为之前的一系列阴霾导致州长厌恶了这样杀戮的生活，他拒绝了局长的请求。

 

这个就是进展纠葛。当人物面对越来越强大的对抗力量时，产生越来越多的冲突，创造出一系列事件，这些事件会把主人公送上一个无法逆转的道路，直到结局。人物和事件的可信度在很大程度上除了严谨的逻辑性以外，还要靠一条无法逆转的故事线。如果在此时，州长选择拿起机枪大喊：Let’s do it的话，这个人物就显得极其不可信。如果大学毕业前夕，你爸打电话告诉你给你找了份拆弹专家的工作，你会做吗？只有当人物变得可信时，之后的情节能继续发展。

 

不论是闪回过去的自我救赎还是恐怖分子的再次滥杀无辜，都可以让故事继续发展。我们快进到故事的第二幕，既是发展阶段。

 

州长乔装成黑人潜伏在犯罪分子集中的贫民区打探消息，但是过程并不顺利，因为化妆的失败，没有一个黑人帮派分子相信他是黑人。回到警局，他召集了一群SWAT战友突袭了帮派的总部，抓住了帮派老大，从他口中得知，前段时间有一些操着东欧口音的高加索人向他们购买了大量的枪支和弹药。按着帮派老大提供的地址，州长潜入了那群恐怖分子的基地，又是肱二头肌又是机枪扫射，解决了所有敌人，在搜集线索的时候，他无意中看到了恐怖分子的一份计划书，他们打算用抢劫来的资金购买足够的浓缩铀制作核弹炸毁洛杉矶！多方打听后，州长终于知道了恐怖分子的发射基地，一个距离洛杉矶15海里的一座水底要塞。

 

在这个段落出现了维持戏剧张力和吸引力的鸿沟。每当角色面对一个难题时，期望和现实都会裂开一条鸿沟。鸿沟的作用就是要激发主角使出更大的力量改变现状，如乔装失败就是一个鸿沟，角色需要越过这条鸿沟，就会采取更加主动的姿态，这就导致了后来的突袭帮派总部。而电影中鸿沟裂开的距离是逐步递增的，所以角色所付出的努力就会越大，直到核弹轰炸洛杉矶这条最大的鸿沟裂开，把故事具有信服力的引到了危机部分。但请注意，鸿沟并不是只出现在第二幕或者进展纠葛部分，它应该是遍布整个剧本的。

 

危机是观众从激励事件就一直期待的场景，观众希望看到主角与生活中最强大、最不可战胜的对抗力最最后的斗争，这也是全剧中他最后的一个行动。在危机中，主角要面对的鸿沟也是最大，最难以跨越的。

 

高潮是所有负面价值转向正面价值（或反过来）的剧变，朝向绝对不可逆转的结局变化。而这一变化可以打动观众的心。

 

影片的第三幕，州长潜入了水底要塞，用突击步枪和火箭筒消灭了500多名恐怖分子，并站在了始作俑者、最终boss——本拉登面前。州长告诉本拉登，人类的自由和和平不容侵犯，你无权通过暴力手段达到自己的目的！说完便一阵扫射把本拉登打成肉泥。

 

正义得到了伸张，之前的恐怖袭击的负面价值也彻底转向正面，最大的鸿沟也闭合了，在角色的戏剧求索之路上，州长走到了终点，观众得到了期待中的满足。

 

结局的作用一般是展现高潮效果的影响。州长得到了政府授予的牛逼勋章，自己也从阴霾中走出，前妻回到自己的怀抱、戒酒，生活回到了正轨，皆大欢喜。

 

以上便是一部标准的90-120分钟商业电影的剧作结构，在三幕剧中包含了五个设计部分，使得剧情完整、可信，主创说清楚了故事，观众也得到了逻辑和视觉上的愉悦满足。但这只是一部及格的商业片剧本，因为情节、人物相对简单，同时也不能带给观众带来任何荧幕之外的思考，五天后这部电影的情节会从大部分人的脑袋中自动抹去。

 

如何使得电影变得更具有观赏性和延伸的思考性呢？早在古希腊时期，大家都认为是由情节推动故事的发展，但是随着人类艺术的发展，发现并非如此，后来的剧作家得出的结论是，其实故事的发展是由人物来决定。

 

《哈姆雷特》的经典就是这个原因。莎士比亚塑造了一个人类历史上最经典和不可复制同时也是最复杂的角色，整个剧本的发展和推动都是因为哈姆雷特复杂的内心选择而产生。哈姆雷特在剧中的首要动作便是复仇，他需要杀死自己的叔叔来夺回王位和自己的母亲，但同时他在内心又是一个优柔寡断和懦弱的少年，反复的内心挣扎使得整部戏精彩绝伦，戏剧的张力得到了极致的发挥。所以，最重要的是人物！复杂而完整的人物能够让整个剧本步入一个新的台阶。从《饮食男女》中的三个心怀鬼胎的女儿到《第九区》中自先私冷酷后自省的威库斯，我们都可以看到一个好的人物全部都是一个复杂的多边形，而非上述假想剧本中的线条人。

 

如果我们把州长的角色复杂化，也许会给我们的剧本加分。之前所设定的州长这个角色非常简单，几个问题也只是点到为止，我们现在可以继续复杂化这个人物。首先离婚是家庭压力；暴力执法和工作不顺是社会压力；误杀同事是个人压力；还可以给角色加上经济、与父母的关系等等多方面的压力，在这些多层面的压力之下，州长就会呈现出一个不同的新面貌，这个人物复杂化了，成为了一个多边形，那么当鸿沟裂开时，他的选择便开始多元化了。可能在发现这个邪恶计划后，他的第一反应是找到前妻和父母让他们赶紧离开这座城市；可能他之所以接下这个任务的原因是高额的报酬，所以他就成为了一个单纯的雇佣兵；在出租车里他只是冷眼旁观这一系列抢劫直到押运员被处死让他想起了自己之前误杀的战友……等等，这一系列的可能性都会让人物饱满，而当这一系列决定都是由人物做出而非跟随剧情发展时，我们会发现这个剧本不再是一个五天后自动从你脑袋中抹去的剧本，而是一个在动作片外衣下探讨人性、自我和道德的一部佳作。

 

当然以上只是一些简单和基本的入门，其实剧作理论是十分复杂的，有兴趣的读者可以阅读相关书籍或者多看一些类型片来学习。

 

理论结合游戏

 

现在的游戏越来越有借鉴电影的趋势，最明显的是动作类游戏。纵观近几年的欧美游戏，我觉得整个业界有一个统一的趋势，便是试图制造一种“可控性电影游戏”风格的游戏。游戏制作者们用逼真、绚丽的CG动画给玩家营造了一种强烈的电影带入感，此外在配乐和剧情方面，我们也能强烈的感受到这一点。在技术不断发展的同时，这种尝试似乎越来越成功，玩家们确实也能感受到那种“可控性电影游戏”所带来的快感，在技术上我非专业人士，挑不出什么毛病，但是在游戏的剧情设计上，却可以找出许多问题。

 

《幻象杀手》（Indigo Prophecy）是一款由法国Quantic Dream制作的结合了动作、解谜类型为一体的游戏，游戏的剧情带有强烈的神秘主义色彩和悬疑惊悚元素。剧情在开始部分的营造很好，谋杀、逃离现场、探案，一气呵成，玩家在5分钟内就可以完全进入游戏世界中，游戏的前半段在剧情上是没有任何问题的。如果按照电影剧作理论来看，游戏剧情的第一幕和第二幕在剧情的编排和节奏上看似都没有问题，但事实上在危机部分，游戏做得并不理想。游戏在后期忽然从悬疑转换到了世界末日，这来得十分突然，按照之前所说的，在信服度上，并没有达到不可逆转的要求，之前所经历的事件根本无法承担起这么大的转折，这就无法使得高潮部分让玩家信服，除了“很扯”这两个字，我无法找到其他的词来形容我当时的内心感受。设计师David Cage是个电影发烧友，他之前苦心经营的电影感，在第三幕彻底摧毁了，这样的剧情让他的游戏由“神作级”变成了“优秀级”。说句实话，这部游戏其实本可以翻拍成一部很不错的惊悚片的……

 

另外一点值得注意的是，《幻象杀手》在游戏视角上选择了上帝视角（或者叫全知视角），玩家的视点来回在三个角色之间转换，虽然这提供了许多剧情变化的可能，但是这样的代价是丧失一定的悬念感，当悬念分拨在三个角色的头上时，并不能产生1+1+1大于或等于3的效果。不过话说回来，此款游戏在人物的塑造上无疑是成功的，尤其是男主角的角色塑造。David Cage使用了大量的细节和闪回来逐步填充主人公，同时大量在道德和危机上的选择也使得主人公饱满而充实。

 

总而言之，《幻象杀手》在整个剧作上除了第三幕“很扯”的转折外，都是值得其他游戏制作者们学习和参考的，但是接下来这款游戏的问题就很多了，这是一个较为失败的例子。

 

2009年末推出的《破坏者》（Saboteur）无疑是EA的一款野心之作，把侠盗赛车和二战下的巴黎结合起来，这本身就是一个让人感兴趣的背景。故事主角——一个爱尔兰赛车手不但能够开赛车，还可以飞檐走壁。等等！这是一个还算是现实主义的游戏，对吧？如果说赛车手的身份还合乎逻辑的话，那飞檐走壁就很奇怪了。游戏却用一句对话将这个超人技能一笔带过，《刺客信条》的飞檐走壁起码是符合逻辑性的，但以午夜偷情练就一身技能作为比猴子还要灵活，拳头比砂锅还大的理由，这十分牵强。

 

为了游戏性，牵强就牵强吧，但在剧情方面，游戏真的很让人失望。这个爱尔兰赛车手对于危险，似乎有着强烈的欲望，每当有危险的任务，他总是不拒绝，答应得异常爽快！嗯，在游戏的中后期这样还是合乎逻辑的，但奇怪的是打从一开始，主角就没有任何抵触心理，虽然通过几个闪回来交代他的终极动作（复仇）和加入抵抗组织的原因，但是这几个部分也只是点到为止，并没有循序渐进的去设计进展纠葛部分，如果仔细推敲一下，发现许多剧情居然是可逆的！那么说主角根本没有必要按照游戏的剧情像条狗一样被各路组织使唤并一路杀到结局。

 

和《幻象杀手》一样（或者是通病？），游戏在高潮的转折还是犯下同一个错误，似乎是没有什么预兆的，在抵抗组织最低谷的时候，他们居然能够发动绝地大反击，还能把整个巴黎的纳粹打的体无完肤？但事实就这样发生了，我毫无准备的迎来了最后一关，在埃菲尔铁塔上莫名其妙的干掉了死对头，就出字幕了。怎么回事？我的情绪还没有高涨到去迎接高潮呢，就算你风一般的来了，却不能让我得到满足……

 

《破坏者》在故事的节奏方面把握的也不是很好，虽然说GTA类游戏是以高自由度为卖点，但是仍需要保持整体剧情的连贯和紧凑，大量又杂又碎的主线任务打断了剧情的节奏和气氛，很多任务感觉是抵抗组织的老板想到什么就布置什么任务，无视了主线。

 

在角色的塑造上也并不是很成功，大量的角色在这部“可操控电影”里纯属打酱油，英国女贵族到底在游戏中起到什么具体作用？那个意大利妞的剧情又模模糊糊……推动剧情的任务仿佛跟这些主要角色一点关系都没有，她们的戏份很多，但实际上推动剧情的确是那些打酱油的小配角。

 

如果说技术层面是游戏的骨骼、肌肉，那么剧情就是游戏的灵魂，二者结合才能是一个完整的人。在剧情上太多的遗憾使得可玩性不错的《破坏者》表现令人失望，并不是说剧情一定要多深刻人物要多复杂才好，上面的假想剧本就很简单，却也可以给观众带来足够的愉悦感。剧情的完整性和逻辑性很容易被忽略，但事实上是很重要的。

 

不过也不是没有成功的例子，《四海兄弟》（Mafia）在剧情上完整、紧凑，比上述两个作品要出色很多，但是游戏自由度偏低，是一个单纯的线性发展。

 

由于我不是这方面的专业人士，所以无法给出如何运用剧作理论结合游戏创作的专业意见，希望以上的几个例子能够给游戏从业者一些启示和思考。游戏和电影不同，不过理论却可以借鉴，游戏比起电影来说表达的方式更多，也就意味着游戏制作者在表达故事上比起电影创作者来说更加自由和方便。在游戏和电影两种艺术关系日益密切的今天，游戏制作者们应该结合游戏的特点以及电影剧作理论来创造更加具有深度和高度的作品。这条路虽然还很漫长，却值得我们努力去探索。

[题目起的有些大，其实是一篇结构很松散不严谨的扯淡装逼文]

一日与朋友在海淀学院路上等公车。闲来无事，再加上学院路上神秘的学术气场，于是我便问朋友有没有读过一个叫做艾柯的意大利学者写的书？

说是学者是因为我不知道该如何去定位艾柯的身份，他是大学教授、符号学家、专栏作家、小说作家、古籍收藏家……

由于对意大利文的一窍不通导致我始终想不起来艾柯的名字Umberto到底该怎么发音，而朋友是奥地利华侨，经过半天解释，她说是不是Umberto Eco。这让我有点惊讶，我一直不知道艾柯如此有名，我总觉得他除了那本《玫瑰之名》（Der Name der Rose）被改成电影为人所知之外，他就是个神秘而低调的意大利老年大肚男。朋友接着跟我解释，Umberto Eco在欧洲非常非常出名，几乎所有有些文化的人都知道他的大名。

之后《误读》（Misreading）的译者在译后序中写道：“几乎所有美国（或者是加拿大）知识分子都已书架中摆上艾柯的书为荣。”

我与艾柯的缘分应该是在2006年考中戏专业试的时候。那时闲得蛋疼，跑到王府井书店一个人瞎逛，无意中看到一本叫做《带着鲑鱼去旅行》（How to Travel with a Salmon）的小书，觉得名字很有趣便买下来，没想到回到青年旅社后很快就把这本在看似不符合我当时年龄的文化、学术评论散文集看完了。后来在第一试的朗诵环节，我读的就是《鲑鱼》中的一篇讽刺当时意大利社会的文章。

让我不能自拔的是艾柯知识的渊博以及他调侃的文字，从没有见过国内有过类似的人写过类似风格的文字，虽然韩寒和连岳在调侃方面可以和艾柯一拼，但在知识的广博程度上就不在一个等级了。随着越来越多阅读关艾柯的文章和相关资料，我发现艾柯的书无论如何是必须列入“一生阅读计划”的。

整个东亚的文化体系都是建立在孔子、庄子、老子、票子的哲学思想与四大名著的文学基础之上；艾柯成长的文化环境与东方人不同，西方的文化基础是建立在圣经、古希腊哲学和文艺复兴时期作品的影响之上。艾柯的专栏文集《误读》之所以较为难读的缘故就是他的知识点与吐槽点完全不是我们的文化体系，译者举例其中艾柯使用了一个极其冷僻刑具名的意大利单词，这就像一个红脖子（red neck）美国人读到“炮烙之刑”一样有趣。

我曾接触过一些常年旅居美国的华人，我很兴奋的向他们提了一大堆关于美国文化的问题，但每次他们的回答仅仅局限于个人感受以及生活层面，跟我们从电影、电视剧上看到的没什么两样，这让我很失望。要想去理解一个建立在不同世界的文化，就必须在历史、宗教和艺术方面进行了解；为什么英国人喜欢喝茶，因为茶好喝？为什么法国人有与生俱来的优越感，因为他们够浪漫？对于类似这样的问题，其实艾柯都在自己的书中给出了间接的线索，与其让人误导，不如自己研究。

除了文化体系不同所带来的乐趣和冲击之外，艾柯也有大量的文章是讽刺整个人类社会和生活方式的，如：知识分子的狭隘性、发达国家自以为是的道德观、美国与欧洲的文化差异等等……虽然大部分都写于40年前，但放到当下仍然具有意义。

艾柯与伊塔洛•卡尔维诺（Italo Calvino，评委会没有给他颁发诺贝尔文学奖号称是诺贝尔奖史上最大的遗憾之一）是好友，想必在文学造诣和内容深度上不用多说，但很遗憾的是艾柯的小说我并没有读过，主要原因是篇幅太长，一时半会找不出那样连贯的时间一边查阅大量的注释一边欣赏情节。
之前说过艾柯的身份还是一名符号学家，他有自己的符号学理论，并在符号学历史上占有十分重要的地位（我曾在那种漫画科普读物《视读符号学》中见过艾柯的漫画小人和罗兰•巴特Roland Barthes、费尔迪南•索绪尔Ferdinand de Saussure等人站在一起）。在与法国编剧让-克洛德•卡里埃尔（Jean-Claude Carrière，代表作《白日美人》）的对话录《别想摆脱书》（Non sperate di liberarvi dei libri）中，艾柯说自己的小说《玫瑰之名》里图书馆被烧的情节本身就是一个指代性的符号，这个和古埃及的亚历山大图书馆被烧是一样的，代表着人类的宗教、文化的毁灭。如果失去书籍，人类同时就失去了文明以及力量，他还分析了书籍作为权力的符号对于执政者和掌权者的影响和关系，但可惜的是他并没有提到秦始皇焚书坑儒的典故。

其实也不用被上面略带装逼性的文字所吓倒，虽然过多的注释和不同文化体系下的知识让人在阅读的时候不断否定自己，认为自己就是个大傻逼，但阅读艾柯的作品是一件充满了乐趣和挑战的事情。改变你一生这么大的戏剧转折恐怕艾柯还无法胜任，但是在潜移默化中学到一些看似无用却非常有用的知识，艾柯是绝对一流适用的。

如果你想写篇A级论文，请读艾柯；如果你想在咖啡馆抠妹，请读艾柯；如果你想牛逼，请读艾柯；如果你想装逼，也请读艾柯。

p.s. 与艾柯相似的乐趣知识分子还有斯洛文尼亚人斯拉沃热•齐泽克（Slavoj Zizek），有兴趣的XINXIN学子可以尝试看他的文章和采访。